A TRAVÉS DE LAS ARTES SE ES PERSONA

En esta entrada vamos a comentar, de manera breve, en qué consisten los siguientes modelos históricos, añadiendo alguna imagen u obra de algún autor característico de éstos que me ha llamado la atención y sorprendido gratamente:


1.  TALLER DEL ARTISTA: Es simple, eficaz y está relacionado con la experiencia.

La bibliografía y documentación correspondiente a este modelo, sigue dos líneas básicas:

a)      Una corresponde a los libros dedicados al conocimiento de técnicas y materiales

(Vitruvio, Theophilus, Cennini , Doerner).

b)      La segunda corresponde a los tratados y libros, principalmente de láminas con dibujos y esquemas gráficos, que enseñan cómo dibujar o pintar imágenes concretas.

(Villard de Honnecourt, Lehmann-Haupt).

Esta imagen que he seleccionado pertenece a Villard de Honnecourt y me ha llamado la atención ya que en ella podemos percibir algunos de los trazos que se utilizan para realizar esos dibujos.

Además también podemos observar la utilización de algunas figuras geométricas en ellos.

El dibujo en la escuela: Siglo XIX: enseñar el dibujo al conjunto de la población.

Pienso que la acción de enseñar el dibujo al conjunto de la población, resulta muy interesante y enriquecedora, ya que se trata de una forma diferente de expresar lo que sentimos. A través del dibujo, el niño puede fantasear, imaginar, crear… y recordemos que estos conceptos son imprescindibles en las personas y más si eres niño.

                                                                                 

Entre los autores que podemos destacar se encuentran: Johann Heinrich Pestalozzi y Friedrich Froebel.

2.  LA ACADEMIA: El sistema de la Academia de Bellas Artes fue creado y elaborado a través de diversos tratados pertenecientes a Leonardo da Vinci, Alberto Durero, entre algunos otros.

El proceso de aprendizaje e investigación debía desarrollarse en torno a dos grandes ejes:

1.       Por un lado, el conocimiento científico que fundamentaba la creación artística: la geometría, la perspectiva, la anatomía, la teoría de las proporciones, etc.

2.       Por otro lado, la práctica del dibujo como fundamento de la pintura y la escultura

- Algunos de los autores más destacados de este modelo son los siguientes:

• Charles Le Brun (París, 1619 - 1690): Fue un pintor y teórico del arte francés, uno de los artistas dominantes en la Francia del siglo XVII.
• Andrea Pozzo (Trento, 1642 – Viena, 1709): Pintor, arquitecto, diseñador de escenarios y teórico del arte barroco italiano.
• Paul Signac: defendió un sistema cromático en pintura acorde con la física y percepción del color.
• David Hockney: de este autor destacamos sus obras pintadas al aire libre, las cuales desde mi punto de vista, resultan muy atractivas ya que tienes los elementos u objetos más cerca y puedes descubrir detalles fabulosos de la naturaleza que dentro de una habitación no podrías percibir.

Por último, de este modelo me gustaría añadir la siguiente imagen de Charles Le Brun:

A mi parecer es una imagen muy llamativa y, sobre todo, para los niños ya que tiene rasgos fantásticos y mezcla la anatomía del hombre con aspectos y características de los animales lo cual puede dar lugar a la imaginación y la creatividad, todo relacionado con la educación artística.

3.  LA BAUHAUS: Fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
Su base central es la semiótica o lenguaje de los signos.

En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto, fueron:

´´La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público``.

Las artes visuales son un lenguaje con su propio vocabulario y, a través de las obras artísticas y de las actividades y escritos pedagógicos de Kandinsky, Itten y Mondrian entre otros muchos, se definirá un nuevo sistema de formación del artista, cuyos conceptos básicos fundamentales son: punto, línea, plano, textura y color.

El sistema de la Bauhaus continúa su desarrollo a través de las obras de algunos artistas y autores entre los que encontramos, por ejemplo, a Bruno Munari y a Donis Dondis.

También debemos señalar que en los años 70 surgió la idea de ´´Alfabetizar visualmente`` que significa enseñar a percibir, leer, el mensaje visual.

La percepción visual es pensamiento visual. Para esto se promueve la adquisición y el ejercicio de cuatro competencias o habilidades específicas:

• Habilidad de ver-observar.
• Habilidad de lectura: leer las imágenes.
• Habilidades de escritura: crear las imágenes.
• Hablar de las imágenes y sobre las imágenes.

La educación plástica y visual pasa a utilizarse como alfabetización para la interpretación de imágenes.

Por último y como hemos ido haciendo en los modelos anteriores, una obra que me ha sorprendido bastante ha sido la siguiente de Johannes Itten:

Puede ser muy favorable para que los niños conozcan y aprendan los colores de una forma diferente a la habitual, llamativa e innovadora.

4. EL GENIO:  Viktor Lowenfeld (1903-1960) sostuvo que para desarrollar la capacidad creadora solo hay un camino: crear.

Y para crear no es necesario ningún tipo de conocimiento previo.

De este modelo podemos destacar a artistas como:

- Beuys.

- Dubuffet.

- Duchamp.

- Pollock.

´´LA TAREA DEL ARTISTA ES UN INCESANTE Y CONTINUO PROCESO DE CAMBIO E INNOVACIÓN``

´´La actividad creativa del individuo se relaciona directamente con la variedad y la riqueza de la experiencia acumulada``.

Viktor Lowenfeld, entre otros, defendían la autoexpresión creativa, un concepto que desde mi punto de vista los niños deben desarrollar y exprimir.
En 1947 publicó ´´Creative and Mental Growth``, que se convirtió en el libro más influyente en educación artística durante la última mitad del siglo XX. Este libro describía las características de las producciones artísticas de los niños en cada etapa: etapa del garabato, etapa preesquemática, etapa del realismo, entre otras.

Etapa preesquemática (de 4 a 7 años).

Desde mi punto de vista, creo que los cuatro modelos han aportado cosas muy significativas y, por ello, se siguen utilizando en la actualidad.

Independientemente de los objetivos de cada uno, creo que siempre deben estar presentes y no pueden faltar la imaginación, la fantasía, la innovación y la creatividad, puntos indispensables en la educación artística.